Wildlife-Art

Contraluz

2012-01-25T18:04:00.001-03:00

San Javier vista de noche

2012-01-25T17:59:00.001-03:00

La 1º del año

2012-01-22T14:50:00.000-03:00

VIIth International Symposium on New Floricultural Crops

2011-11-20T15:50:00.006-03:00

VIIth International Symposium on New Floricultural Crop

Universidad Católica de Buenos Aires, Puerto Madero,
Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

ORQUIDEAS

Al fin te conozco....

2011-10-02T11:32:00.002-03:00

Siete

2011-09-21T16:18:00.001-03:00

Exposición de Orquideas - Tucumán

2011-08-06T21:55:00.002-03:00

Galo Infraganti

2011-08-04T15:21:00.000-03:00

2011-07-14T13:22:00.000-03:00

Suculenta

Malvon

Labrador

2011-05-25T12:15:00.001-03:00

2011-04-04T16:52:00.001-03:00

Acariciada por la luz

Hola Mundo!!!!

Joyas de mi Corona

2011-03-30T17:51:00.001-03:00

Desde mi jardin

2011-03-26T18:02:00.001-03:00

Macro en Amarillo

Diagonales
Rosa China Amarilla

Tejedora del Jardín

Flores y una tejedora ( San Javier)

2011-03-24T09:59:00.005-03:00

Varita Rosa

Trillizas

Tejedora

Seguuunnda......

2011-02-25T20:09:00.000-03:00

Ascleapiadacea
Stapelia hirsuta
(Flor del Diablo)

Flor del Diablo

2011-02-22T14:26:00.002-03:00

Ascleapiadacea

Stapelia hirsuta

Luz y nubes grises

2011-02-13T16:22:00.001-03:00

Lo que se ve cuando dejas de ver al suelo....

Guardianas

2011-02-11T14:55:00.001-03:00

Guardianas
Monumento de Miguel Lillo

Detalles

2011-02-11T14:52:00.001-03:00

Cortadera

Helecho

Hongos

2011-02-11T14:39:00.001-03:00

Propiedad Horizontal

Condominios

Cielito Lindo

2011-02-06T17:31:00.000-03:00

Estrellita Mia

2011-02-06T09:55:00.003-03:00

Secreto

2011-01-26T22:53:00.001-03:00

Secreto

Bosque Energético
Mar del Plata

Campanita

2011-01-24T11:29:00.000-03:00

Mientras el lobo no esta!!!!

2011-01-24T11:19:00.001-03:00

Mardel en gris

2011-01-23T00:12:00.000-03:00

2011-01-22T13:22:00.000-03:00

Playa Punta Iglesia

2011-01-22T13:17:00.000-03:00

Puerto de Mar del Plata

Catedral de Mardel

2011-01-22T13:13:00.000-03:00

Replica de La Piedad

De camino a Cariló

2011-01-22T13:06:00.000-03:00

Mar del Plata

2011-01-22T13:03:00.001-03:00

Contenida

2011-01-01T01:07:00.001-03:00

31- 12 - 2010

Flores en Tinta

2010-12-18T10:04:00.001-03:00

2010

Salta, salta pequeña langosta

2010-11-22T17:19:00.001-03:00

2010

Shopping del Solar

2010-11-21T17:32:00.004-03:00

Escultura II

Escultura I

Luz Interna - Serie

2010-11-14T09:08:00.002-03:00

Luz Interna III

Luz Interna - Serie

2010-11-13T13:48:00.004-03:00

Luz Interna I

Luz Interna II

Hortensias y musguitos - San Javier

2010-10-29T08:23:00.005-03:00

Musguitos y hojas secas

Hortensias II

Hortensias I

Fotos de San Javier

2010-10-29T08:08:00.003-03:00

Vista desde San Javier
Tucumán
2010

Cristo Redentor
Juan Carlos Iramain
2010

Juan Carlos Iramain: (1900-1973) fue un escultor tucumano, nacido en el departamento de Famaillá, autor, entre otras obras monumentales, del Cristo Bendicente que se encuentra en al cima del Cerro San Javier.

Realiza su primera exposición a los 9 años, a los 18 recibe una beca y viaja a Buenos Aires para profundizar su formación. Traba relación con grandes artistas de la época, como Quinquela Martín, Antonio Machado, Pablo Neruda, García Lorca y Osvaldo Pugliese.

A principios de la década del 40 realiza el Cristo Bendicente, obra de 33 metros de altura. A los 49 años parte hacia Estados Unidos, donde realiza una intensa actividad, esculpe la cabeza de Albert Einstein. Regresa a la Argentina y realiza la monumental obra “Cristo Penitente” para el Cerro San Bernardo, en Salta.

En 1973 se crea en San Miguel de Tucumán el Museo Iramain con el objetivo de albergar y preservar su obra.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Carlos_Iramain

Cigulet

2010-10-27T10:01:00.002-03:00

Cigulet
2010

Seleccion de suculentas

2010-10-25T19:26:00.000-03:00

Suculentas
2010
Tucumán

Moraditos

2010-10-24T18:27:00.001-03:00

Frutitos Morados
2010
Horco Molle ( Tucumán)

Amarillas

2010-10-24T18:25:00.002-03:00

Amarillas
2010
Horco Molle ( Tucumán)

Lantana

2010-10-24T18:22:00.003-03:00

Lantana
2010
Horco Molle (Tucumán)

Auto parts art

2010-10-16T13:12:00.007-03:00

El artista australiano James Corbett, de 46 años, crea estas esculturas utilizando piezas de coches antiguos rescatados de desarmaderos.

Una de las piezas, un carnero hecho de bujías de encendido, se ha vendido por la friolera de 23.000 dólares. Sus esculturas están hechas de engranajes, radiadores, bujías, escapes y cualquier cosa que el artista pueda conseguir.

Luego de pasar semanas dedicado a buscar las piezas adecuadas, James limpia meticulosamente cada parte y las suelda entre sí.

Dice: "Yo estaba trabajando en un depósito de chatarra y un tipo que conozco, que corría carreras de stock cars, me mostró un trofeo que había ganado hecho con palancas de cambios. Lo miré y pensé que yo podía hacer un trabajo mucho mejor así que comencé a hacer mis propias esculturas", "Después de un tiempo, la gente empezó a interesarse más y más en lo que estaba haciendo y ahora lo hago para ganarme la vida; es un sueño hecho realidad", "En promedio, cada pieza lleva un poco más de dos semanas de trabajo, pero las piezas más grandes pueden tomar mucho más tiempo", dice Corbett vive en Ningi, en Queensland, Australia, con su esposa Jodie.

Las esculturas utilizan piezas de autos antiguos; los autos franceses y británicos son los favoritos de James para recuperar.

James dice que la soldadura y la escultura de las piezas no es la parte que consume más el tiempo del artista. "A menudo, la parte más larga del proceso es encontrar las piezas viejas adecuadas para la escultura".

El escultor está exhibiendo su trabajo en la Galería John Davies en Moreton-in-Marsh, Gloucestershire, Inglaterra, hasta el 19 de diciembre."Mis dos piezas favoritas que he creado para esta exposición son el carnero y el jabalí".

2010-10-11T13:43:00.000-03:00

Suculenta en Flor
2010

2010-10-02T16:01:00.002-03:00

Flores de mi Jardín
2010

Conclusión

2010-08-18T17:48:00.002-03:00

Orquideas

Acuarela
2010

Crisantemo

2010-07-25T10:41:00.001-03:00

2010
Tinta

Insecto Rosa

2010-07-25T10:38:00.003-03:00

Insecto Rosa
Concluido

Insecto Rosa

2010-07-22T13:05:00.003-03:00

2010
In Progress

Aljabas II

2010-07-22T13:01:00.001-03:00

2010

Flores Amarillas

2010-07-22T13:00:00.000-03:00

2010

Ensayo II

2010-07-22T12:57:00.000-03:00

Ensayos

2010-07-22T12:55:00.001-03:00

Rosa
2010

Suculenta - Serie

2010-04-18T12:59:00.001-03:00

2010

Hombre Aguila II

2010-03-06T15:39:00.001-03:00

2010

2010-01-29T15:52:00.001-03:00

Shamenk
Celebracion
Mundo Marino
San Clemente de Tuyu
2010

2010-01-29T15:42:00.002-03:00

Flopi y Shamenk
Celebracion
Mundo Marino
San Clemente de Tuyu
2010

2010-01-29T15:38:00.001-03:00

Garzas
Reserva Mundo Marino
San Clemente de Tuyu
2010

Cactus en Flor

2009-12-27T15:38:00.001-03:00

En flor
25 - 12 - 2009

INTERIOR II

2009-12-27T15:36:00.003-03:00

INTERIOR I

2009-12-27T15:34:00.001-03:00

Escándalos en el arte

2009-11-29T09:26:00.004-03:00

Escándalos en el arte

Cuatro siglos de religión, política, estética y sexo. Obras rechazadas por las comunidades en las que fueron producidas, pero que "paradójicamente" se convirtieron después en íconos de la historia
Pinturas escupidas por el público, desnudos tapados con telas, museos atacados, artistas desterrados del ambiente académico, críticas negativas y otros actos de repudio acompañaron a muchas obras de arte que, con el tiempo, se volvieron íconos de la historia del arte mundial.

Mariana Rodríguez Iglesias, historiadora del arte, investigó sobre este tema y lo plasmó en un curso -Escándalos en el Arte- que dictó, por intermedio del espacio Dos Puntos, en el Palais de Glace.
Desde Miguel Angel hasta la actualidad, Rodríguez Iglesias repasa y analiza las obras más controvertidas en los cuatro siglos de la historia del arte mundial.
El conjunto de obras que propone la investigadora generaron escándalo, fueron ampliamente rechazadas por la comunidad en la que se produjeron. Pero, paradójicamente, más tarde resultaron absorbidas por la historia del arte como íconos. Según Iglesias, "son obras que finalmente corrieron los límites de la historia porque el contexto que las contenía esperaba otra cosa de ellas. Hoy, El Juicio Final de Miguel Angel está en la Capilla Sixtina. Si eso no es consagración, ¿qué lo es?", ejemplifica.A Miguel Angel le encargaron esa pintura en un momento en que la Iglesia se encontraba en un proceso de mucha fragilidad porque, con el avance de los luteranos, los fieles católicos mermaban. En medio de la discusión sobre cómo debían pintarse los ángeles, qué se podía volcar a un cuadro y qué no, el maestro del Renacimiento decidió representarlos a todos desnudos. "Eso fue un escándalo: imaginar que en la cuna de la cristiandad, en el Vaticano, un artista desafiara toda la defensa de la Iglesia. El lo hace porque en realidad tiene mucho más placer por lo escultórico que por lo pictórico, y esos cuerpos parecen en tres dimensiones. Quería demostrar que era mejor que los demás en el manejo de la anatomía", explica la historiadora.
El desafío a la autoridad máxima quedó frustrado porque, hasta el día de hoy, en la Santa Sede los desnudos están tapados.
En el plano local, Emilio Pettoruti fue abucheado al traer una muestra de corte futurista de Florencia, cuando todos esperaban ver obras clásicas de París y Roma. La muestra fue escupida y cerrada al público. "Trajo el cubismo; no lo entendieron. La muestra que se iba a exhibir en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes de la calle Maipú fue sólo con invitación. El vaivén del rechazo a la aceptación exige un cambio en el horizonte de expectativas de quienes reciben la obra", dice la historiadora.
Hoy, a Pettoruti se lo reconoce como el primer artista abstracto latinoamericano."No fue adonde esperaban que fuera y no vio lo que esperaban que viera. Cuando volvió, en 1924, trajo cien obras de técnicas modernas y mostró algo que no imaginaban", agrega Rodríguez Iglesias sobre Pettoruti.
Y si esto fue poco, a Prilidiano Pueyrredón, el principal artista de la propaganda de Rosas y primer retratista de Manuelita, se lo dejó de lado por perverso. Eso pasó cuando se conocieron sus pinturas La siesta y El baño, donde pinta a su criada y concubina bañándose desnuda. Pueyrredón fue un erudito, autor de la nueva Plaza de Mayo y de importantes obras de ingeniería de la ciudad, pero nunca se lo terminó de aceptar porque se conocían sus gustos por las fiestas; era muy liberal y vivía en concubinato con su criada.
En el último tramo, el contemporáneo, Iglesias habla sobre los escándalos con obras de artistas tales como Duchamp, Damien Hirst o Maurizio Cattelan, quienes, desde sus obras, se erigen contra lo religioso o contra lo moral o tratan temas vinculados con el sexo o la muerte de animales.Como el urinario de Duchamp, que solía estar en una ferretería y no en un museo; el tiburón en formol de Damien Hirst, que podía estar en el museo de Ciencias Naturales, o la Sopa Campbell de Warhol. Obras como éstas causaron tanto enojo en el público que llegaron a poner en duda la definición del arte. "Cuando llega esta parte, la de hablar de las rupturas actuales, los asistentes del curso se alborotan mucho más, se plantean interesantes discusiones y hasta algunos se enojan conmigo", sonríe Mariana Iglesias.
Pero con 400 años de diferencia, la religión parece seguir marcando el camino de las obras que generan más conflictos. En 1536 se censuró el fresco de Miguel Angel y en 1999, el público entraba a una sala de exposición en Milán para intentar salvar al papa Juan Pablo II del meteorito de resina poliéster que lo aplastaba, esculpido por Maurizio Cattelan.El ejemplo argentino actual es el de la muestra de León Ferrari en el Centro Cultural Recoleta en 2005, en la que, además de haber resultado agredidos el artista y la obra, se cerró la muestra antes de lo pautado. Casos paradigmáticos Los renacentistas Mars Et Venus Marcantonio Raimondi - 1524 (de la serie de I Modi)
El éxito de circulación puede llevar a la cárcel. Marcantonio Raimondi, del círculo de Rafael, ejecuta 16 grabados eróticos acompañados por sonetos amorosos. Lo que hizo escándalo no fue tanto el velo levantado sobre el retozo de una pareja moderna y sus variados modos y posturas, sino el mismo soporte de esta estampería hecha incontrolable. Juicio final

Miguel Angel Buonarroti - 1536 Fresco, medidas: 14,83 x 13,30 M. Muro testero de la Capilla Sixtina del Vaticano
Cinco veranos después de comenzar la tarea, Miguel Angel por fin revela la obra que lo tenía tan ocupado. El estupor de la concurrencia se fue generalizando como el eco de un grito bajo el glorioso techo donde un Dios que crea con las manos y un hombre recientemente dado a la vida se tocan los dedos. El escándalo estaba a la vista de todos: esas figuras ultramusculosas (como era el gusto del maestro) estaban completamente desnudas. Eran tiempos difíciles para la cristiandad, amenazada por el cisma protestante del Norte. A casi un lustro de comenzar el interminable Concilio de Trento, había algo que la Iglesia condenaba por encima de todo: el desnudo. En 1559, todavía vivo "el divino" Miguel Angel y cuatro años antes de que el Concilio terminase, el papa Pablo IV ordenó a un aprendiz del maestro, Daniel Volterra, que pintara unos velos ocultando las indecorosas desnudeces. Aquella tarea hizo que desde entonces se haya conocido al pintor como il braghettonne. Cena en casa de Levi

Pablo Veronese - 1573 Oleo sobre tela
Originariamente, el cuadro de Veronese Cena en casa de Leví debía llamarse La Santa Cena, pero la Inquisición encontró motivos para llamarle la atención al pintor, quien finalmente cambió el título, no sin antes declarar: "Nosotros, los pintores, tomamos la imaginación, que es patrimonio también de los poetas y los locos. Imaginación, inventiva, y no herejía". La muerte de la virgen
1605-6 - Caravaggio Oleo sobre telaCaravaggio conoció de cerca el escándalo en numerosas oportunidades, dentro de su búsqueda de una plástica que reflejara su particular manera de entender lo religioso: cercano a la naturaleza, a lo real, pero también al pueblo y lo abyecto. La muerte de la Virgen fue rechazada en su destino original, una capilla de la iglesia de Santa María Della Scala. Existía el rumor de que la modelo utilizada era una mujer ahogada en las aguas del Tíber. A todas luces, una modelo de categoría indigna para representar a la Virgen. ¡Y para colmo con los pies asomando de su camilla! Caravaggio estaba al tanto de que la representación de una Virgen hinchada por la muerte sería rechazada en un ámbito donde se evitaba ese término, y en su lugar se empleaba "dormición" o "tránsito". Los modernos Bonjour, Monsieur Courbet
Gustave Courbet - 1854 Oleo sobre tela
El padre del realismo se burla de la teatralidad académica: un pintor en mangas de camisa, como un trotamundos, le da la espalda al espectador en momentos en que dos señores burgueses -tanto mejor vestidos que él- se detienen para saludarlo. Un combo ideal para el escándalo. A los academicistas este cuadro les pareció simplemente infantil. Hoy diríamos que podría ser una imagen de ilustración para la revista Billiken. Sin embargo, aquí Courbet está haciendo una declaración de principios a partir de una provocación: buscaba molestar al burgués, sacándolo de las convenciones, evadiendo las actitudes elegantes, la fluidez de la línea y los colores sugestivos. Buscaba acercarse, así, a un realismo sin pompas ni academia. El almuerzo sobre la hierba
Edouard Manet - 1863 Oleo sobre tela. Medidas: 208 X 264,5 Cm
¿Pero es que Manet se olvidó de cómo se pinta correctamente? En la primavera de 1863 se inauguró el Salón de los Rechazados, que abrió sus puertas a las víctimas del jurado académico. Los críticos de este cuadro no pudieron ponerse de acuerdo sobre qué cosa molestaba más: si la cándida desnudez de esta mujer, que nos mira fijamente y así destruye toda posibilidad de deidad, o la negligencia en el tratamiento de la perspectiva, el dibujo y el acabado. La esposa del artista
Henry Matisse - 1905 Oleo sobre tela
Combinación del paradigma de su estilo, el colorido salvaje, con un tema completamente privado e íntimo, el retrato de su esposa; la composición donde retrata a su mujer desviando ligeramente su mirada del frente, tranquila, pero al mismo tiempo en tensión, aloja en su vibrante bidimensión los elementos que hicieron de la pintura de Matisse algo tan particular. Argentinos Manuelita Rosas
Prilidiano Pueyrredón - 1851 Oleo sobre tela. Medidas: 199 X 166 Cm. Colección del MNBA
Marketing político y provocación íntima. En este retrato de aparato podemos percibir la omnipresencia de la imagen del general Juan Manuel de Rosas, padre de la retratada. Y a ella, como verdadera figura mediadora y partícipe de una incipiente esfera pública. Este cuadro es pura propaganda política y fue realizado para ser exhibido durante un baile de la hija del gobernador. Al final del baile, se entregaría una litografía con la fiel reproducción como souvenir y elemento de adhesión al régimen. Es mucho menos lo que sabemos de sus dos cuadros escandalosos, La siesta y El baño, donde retrata estos nuevos hábitos modernos en las figuras de una mujer representada sin ningún rasgo de idealización. Por otra parte, se decía que su modelo era su criada y amante. En La siesta se acerca a lo pornográfico en la representación de dos mujeres (pero la misma modelo) desnudas y descansando a pie tendido. El despertar de la criada
Eduardo Sivori - 1887 (Le lever de la Bonne), Oleo sobre tela.Medidas: 198 x 131 Cm. MNBA
El despertar... había sido enviado al Salón de París de 1887, donde no tuvo mayor reconocimiento, aunque sí un fallido paso por la caricatura gráfica. En uno de los periódicos que reseñaban el Salón aparece reproducida la criada de Sívori en el borde de una cama de hierro. Bajo la viñeta se podía leer "Le lit est de fer, mais pas le rest!" (La cama es de hierro, ¡pero no el resto!). En el ambiente artístico porteño, esta pintura fue un verdadero escándalo debido a la representación de los detalles del cuerpo de una mujer de clase baja, en tamaño natural, apelando a una descripción directa de la realidad. Pensada para ser la protagonista de una gran muestra, tuvo que ser exhibida a puertas cerradas. La canción del pueblo
Emilio Pettorutti - 1927 Oleo sobre madera, Colección MALBA, Fundación Constantini
Mientras la mayoría de los becarios que viajaban a Europa elegían París o Roma como ciudad para la incorporación de los estilos en voga, Pettoruti elige Florencia (Italia), cuna del diseño, el dibujo y la composición. Tras varios años de relacionarse con el cubismo y el futurismo, Pettoruti regresa a su ciudad (1924) con el inminente proyecto de una exposición donde mostraría más de 100 obras, la mayoría en un lenguaje abstracto, futuro-cubista. La exposición fue incomprendida y lo que colgaba de las paredes no podía ser más que una burla, un insulto, y para colmo, resultado de una beca costeada por el Estado. Un espectador resuelve su escandaloso enojo escupiendo en una obra, y así se pone fin a esta accidentada inauguración de la vanguardia plástica en Buenos Aires. Contemporáneos La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo
Damien Hirst - 1991 (The Pshysical impossibility of death in the mind of someone living). Tiburón tigre, acero, cristal, solución de formaldehido al 5%. Medidas: 213 X 518 X 213 CM
Padre del escándalo contemporáneo, Damien Hirst solicita a un cazador de tiburones australiano que le traiga "un tiburón lo suficientemente grande como para comerme". La obra de Hirst es escandalosa, pero también se ve inscripta en una línea alegórica vigente desde el siglo XVI. Es el Vanitas, el recuerdo del momento fugaz y en fuga, la inminente y democrática muerte. El tiburón-tigre es, ni más ni menos, que eso: la búsqueda de la inmortalidad sumergida en un prisma de formol. La Nona ora
Maurizio Cattelan - 1999 Resina poliester, cabellos naturales, accesorios, piedra y alfombra. medidas variables
El público no puede separar la persona del personaje: es lo que esta obra produjo, sea por la veracidad de la representación o por la imagen del papa Juan Pablo II y la angustiante situación en que se encuentra. Esta obra fue consagrada en 2000 por la Royal Academy of Arts, de Londres, en la exposición Apocalypse -Beauty and Horror in Contemporary Art (Apocalipsis - Belleza y horror en el arte contemporáneo). Cuando la obra viaja a Varsovia, es reprobada por dos piadosos miembros del Parlamento polaco, quienes ingresan en la sala para socorrer la figura del Papa, retirar el meteorito y tratar de enderezar su cuerpo. Palabra tapada
Santiago Sierra - 2003 Pabellón español, L bienal de Venecia (Italia)
Empleando plástico negro y cinta de embalar, Santiago Sierra tapó la palabra "España" de la entrada del pabellón y colocó una pared a la manera de tapiado de la puerta de entrada. Como si todo esto fuera poco, y si todavía quedan ganas de ingresar en el recinto donde se supone está el arte español contemporáneo representado, dos guardias tienen órdenes de dejar pasar únicamente a quienes se acrediten con documentación legal como ciudadanos españoles. El chiste de humor negro es que al ingresar (en caso de haber demostrado la condición de español) se observa la vastedad de un espacio vacío, abandonado, de muros desnudos y habitado únicamente por las huellas de la exposición anterior.

Por Sabrina Cuculiansky Textos sobre obras Mariana Rodriguez Iglesias
Más datos: www.espaciodospuntos.com.ar

FUENTE: http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1203758

Guerrero aguila

2009-11-13T19:49:00.000-03:00

2009-11-01T09:57:00.001-03:00

Ocelote
2009

2009-10-28T21:08:00.003-03:00

Suculenta
Tomada en
Museo Jose Antonio Terry
Tilcara
2009

Parque 9 de Julio

2009-10-24T20:21:00.004-03:00

Atarceder

Tucumán
2009

2009-10-24T20:16:00.004-03:00

Verde y Blanca

2009

2009-10-04T11:43:00.001-03:00

PENUMBRAS

2009

2009-10-04T11:39:00.001-03:00

EN LA VIA
2009

RUINAS DE VIGILANCIA

2009-10-04T11:37:00.001-03:00

RUINAS DE VIGILANCIA
2009

METALES

2009-10-04T11:35:00.000-03:00

ESLABONES DE ACERO
2009

2009-09-20T16:12:00.000-03:00

Pata de Cabra
Version Rosa
2009

2009-09-20T16:08:00.000-03:00

Arrayan en Flor 2
2009

2009-09-13T14:54:00.001-03:00

PATA DE CABRA EN FLOR
2009
GRAFITO

2009-09-13T14:50:00.000-03:00

CACTUS EN FLOR
2009
CONCURSO DE FOTOGRAFIA CIENTIFICA
MENCION DE HONOR

2009-09-12T12:28:00.000-03:00

FLOR DE UN DIA
GRAFITO Y COLOR
2009

2009-09-12T12:26:00.000-03:00

THUMBERGIA GRANDIFLORA-AZULII EXPOSICIÓN DE ILUSTRACIÓN
CIENTÍFICA BOTÁNICA

XXXII JORNADAS ARGENTINAS DE BOTÁNICA

Huerta Grande - Cordoba

2009-09-12T12:22:00.002-03:00

Argemone
2009
II EXPOSICIÓN DE ILUSTRACIÓN
CIENTÍFICA BOTÁNICA
XXXII JORNADAS ARGENTINAS DE BOTÁNICA
Huerta Grande - Cordoba

2009-09-12T11:45:00.002-03:00

IN PROGREES - AGUILA
2009
( grafito)

2009-08-05T15:11:00.004-03:00

DIBUJO
1995
(Pintura asfáltica sobre cartón)

2009-08-05T15:07:00.003-03:00

DECONSTRUCCIÓN II
1999
(oleo sobre tela)

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Arrayan
2008

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Trio Blanco
2009

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Venteveo

2009

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Difusa

2008

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Lilum

Plenitud

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Lilum

Suculenta en Flor II

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Digitalis Obscura

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En proceso

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Largarto Humanoide

Tinta - 2008

En par

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Lo feo hoy

2008-04-24T17:59:00.001-03:00

Sábado 1 de marzo de 2008
Publicado en la Edición impresa

Mutilaciones estéticas. La cirugía es hoy un medio para embellecer el cuerpo

Lo feo hoy
Por Umberto Eco

El oído de los antiguos percibía que ciertos intervalos musicales eran disonantes y los consideraba desagradables, y el ejemplo clásico de fealdad musical ha sido durante siglos el intervalo de cuarta aumentada , o excedente, como por ejemplo do-fa diesis . En la Edad Media esta disonancia resultaba tan perturbadora que recibía el nombre de diabolus in musica . Sin embargo, los psicólogos han explicado que las disonancias tienen un poder excitante, y muchos músicos, a partir del siglo XIII, las han utilizado para producir determinados efectos en un contexto apropiado. De modo que el diabolus ha servido a menudo para obtener efectos de tensión o de inestabilidad que esperan una resolución, y ha sido utilizada por Bach, por Mozart en el Don Juan , por Liszt, Musorgski, Sibelius, Puccini (en Tosca ), hasta el West Side Story de Bernstein, o para sugerir apariciones infernales, como sucede en la Condenación de Fausto de Berlioz.

El caso del diabolus in musica podría ser un excelente ejemplo final para esta historia de la fealdad, porque nos sugiere algunas reflexiones. Tres de ellas deberían desprenderse de forma evidente de los capítulos anteriores: la fealdad depende de las épocas y de las culturas, lo que era inaceptable ayer puede convertirse en lo aceptado de mañana, y lo que se considera feo puede contribuir, en un contexto adecuado, a la belleza del conjunto. La cuarta observación nos lleva a corregir la perspectiva relativista: si el diabolus se ha utilizado siempre para crear tensión quiere decir que hay reacciones basadas en nuestra fisiología que se mantienen más o menos inalteradas a través de los tiempos y de las culturas. El diabolus se ha ido aceptando no porque se hubiera vuelto agradable, sino justamente por ese olor a azufre que nunca ha perdido.

Por esta razón el diabolus aparece hoy en gran parte de la música heavy metal (por ejemplo en Purple Haze de Jimi Hendrix), y a veces como provocación "satánica" explícita (véase Diabolus in musica de los Slayer). George Romero, el director de La noche de los muertos vivientes y de otras películas de terror, en unas declaraciones sobre su poética, al hablar de la conmovedora ternura del monstruo de Frankenstein, King Kong o Godzilla, recuerda que sus zombis tienen la piel arrugada y putrescente, los dientes y uñas negros, pero son individuos con las mismas pasiones y exigencias que nosotros. Y añade: "En mis películas sobre los zombis, los muertos devueltos a la vida representan una especie de revolución, un giro radical en el mundo que muchos de mis personajes humanos no logran comprender y prefieren considerar a los muertos vivientes como el Enemigo cuando, en realidad, ellos son nosotros. Yo utilizo la sangre con toda su horrenda magnificencia para que el público entienda que mis películas son más una crónica sociopolítica de la época que estúpidas aventuras con salsa horror". ¿El recurso a lo feo es, por tanto, un medio para denunciar la presencia del Mal? El propio Romero admite que el terror "dispara las ventas" y admite que el terror es apreciado por ser interesante y excitante. Por no hablar de cuando se convierte en celebración del Mal, aunque sea en casos marginales como el satanismo de los psicópatas.

Nos encontramos ante un mar de contradicciones. Monstruos tal vez feos pero extraordinariamente encantadores como E. T. o los extraterrestres de La guerra de las galaxias no seducen solo a los niños (conquistados además por dinosaurios, pokemons y otras criaturas deformes) sino también a los adultos, que se relajan viendo películas splatter en las que se machacan los sesos y la sangre salpica las paredes, mientras la literatura los entretiene con historias de terror. No se puede hablar solamente de "degeneración" de los medios de comunicación de masa, porque también el arte contemporáneo practica la fealdad y la celebra, aunque ya no en el sentido provocador de las vanguardias de comienzos del siglo XX. En algunos happenings no solo se exhiben mutilaciones o deficiencias repulsivas, sino que es el propio artista el que se somete a una violación cruenta de su cuerpo. También en estos casos los artistas declaran que pretenden denunciar muchas atrocidades de nuestro tiempo, pero los apasionados del arte acuden a la galería a admirar estas obras y estas performances con espíritu lúdico y sereno. Y son los mismos individuos que no han perdido el sentido tradicional de lo bello, y experimentan emociones estéticas frente a un hermoso paisaje, un precioso niño o una pantalla plana que nos propone de nuevo los cánones de la Divina Proporción. El mismo individuo acepta hoy las propuestas de la decoración de diseño, de la arquitectura hotelera y de toda la industria del turismo que vende formas clásicamente agradables (véase la nueva propuesta que hace Las Vegas de los palacios venecianos, de los triciclos de los césares o de la arquitectura morisca), y al mismo tiempo elige restaurantes u hoteles ennoblecidos con cuadros de la vanguardia del siglo XX (auténticos o reproducciones) que a sus abuelos les parecían la negación de cualquier ideal de la Antigüedad clásica. Se nos repite por doquier que hoy se convive con modelos opuestos porque la oposición feo/bello ya no tiene valor estético : feo y bello serían dos opciones posibles que hay que vivir de forma neutra. Así parecen confirmarlo muchos comportamientos juveniles. El cine, la televisión y las revistas, la publicidad y la moda proponen modelos de belleza que no son tan diferentes de los antiguos, de modo que podríamos imaginar los rostros de Brad Pitt o de Sharon Stone, de George Clooney o de Nicole Kidman retratados por un pintor renacentista. Pero los mismos jóvenes que se identifican con estos ideales (estéticos o sexuales) se quedan luego extasiados ante cantantes de rock cuyos rasgos un hombre del Renacimiento consideraría repelentes. Y esos mismos jóvenes a menudo se maquillan, se tatúan, se perforan las carnes con agujas con el objetivo de parecerse más a Marilyn Manson que a Marilyn Monroe.

En las páginas anteriores se han comparado un ejemplo actual de piercing y dos rostros de El Bosco, perforados también por anillos de varios tipos. Pero con estas figuras El Bosco quería representar a los perseguidores de Jesús, y los representaba tal como se concebía entonces a los bárbaros y a los piratas (recuérdese que todavía en el siglo XIX los psiquiatras consideraban el tatuaje un signo de degeneración). Hoy en día, piercings y tatuajes pueden interpretarse a lo sumo como un desafío generacional, pero desde luego no se interpretan (por parte de la mayoría) como una opción a la delincuencia, y una muchacha con un piercing en la lengua o un dragón tatuado en el vientre desnudo puede participar de una manifestación a favor de la paz o de los niños africanos desnutridos. Ni los jóvenes ni los ancianos parecen vivir estas contradicciones de forma dramática. El esteta de finales del siglo XIX, que privilegiaba la belleza cadavérica como gesto de desafío y de rechazo del gusto de la mayoría, sabía que estaba cultivando las que Baudelaire había llamado "flores del mal". Elegía lo horrendo precisamente porque había decidido elegir una opción que lo situara por encima de la masa de los bienpensantes. En cambio, los jóvenes que exhiben una piel ilustrada o el cabello azul tieso lo hacen para sentirse parecidos a los otros, y sus padres, que van al cine a ver escenas que tiempo atrás solo se podían ver en los anfiteatros anatómicos, actúan así porque così fan tutti . Tampoco difiere mucho la manera como nos complacemos (o nos conformamos) con la llamada "basura" televisiva. No por una actitud esnob, como hacía y sigue haciendo aún el que cultiva lo camp (dispuesto siempre a reconsiderar con espíritu de coleccionista las películas de Ed Wood, considerando el peor director de toda la historia de Hollywood), sino por espíritu gregario.

Otro caso en el que se produce la disolución de la oposición feo/bello es el de la filosofía cyborg . Si al principio la imagen de un ser humano al que le hubiesen sustituido varios órganos por aparatos mecánicos o electrónicos, resultado de una simbiosis entre hombre y máquina, podía representar aún una pesadilla de la ciencia ficción, con la estética cyberpunk la profecía se ha cumplido. No solo eso, sino que feministas radicales como Donna Haraway proponen superar las diferencias de género mediante la fabricación de cuerpos neutros, posorgánicos o "transhumanos". Ahora bien, ¿realmente ha desaparecido la distinción clara entre feo y bello? ¿Y si ciertos comportamientos de los jóvenes y de los artistas (a pesar de dar lugar a tantas discusiones filosóficas) fuesen tan solo fenómenos marginales practicados por una minoría (respecto a la población del planeta)?

¿Y si cyborg , splatter y muertos vivientes fueran simples manifestaciones superficiales, enfatizadas por los medios de comunicación, mediante las que exorcizamos una fealdad mucho más profunda que nos asedia, nos aterroriza y quisiéramos ignorar? En la vida diaria estamos rodeados por espectáculos horribles. Vemos imágenes de poblaciones donde los niños mueren de hambre reducidos a esqueletos con la barriga hinchada, de países donde las mujeres son violadas por los invasores, de otros donde se tortura a los seres humanos, y vuelven continuamente a la memoria las imágenes no muy remotas de otros esqueletos vivos entrando en una cámara de gas. Vemos miembros destrozados por la explosión de un rascacielos o de un avión en vuelo, y vivimos con el terror de que pueda ocurrirnos lo mismo a nosotros. Todo el mundo sabe que estas cosas son feas , no solo en sentido moral sino también en sentido físico, y lo sabe porque le provocan desagrado, miedo, repulsa, independientemente de que puedan inspirar piedad, desprecio, instinto de rebelión, solidaridad, incluso si se aceptan con el fatalismo de quien cree que la vida no es más que el relato de un idiota, lleno de gritos y furor. Ninguna conciencia de la relatividad de los valores estéticos elimina el hecho de que en estos casos reconocemos sin ninguna duda lo feo y no logramos transformarlo en objeto de placer. Comprendemos entonces por qué el arte de distintos siglos ha vuelto a representarnos lo feo con tanta insistencia. Por marginal que fuese su voz, ha querido recordarnos que, pese al optimismo de algunos metafísicos, en este mundo hay algo irreductible y tristemente maligno. Por esto muchas voces e imágenes de este libro nos han invitado a comprender la deformidad como drama humano.

El texto final de Italo Calvino está sacado de un relato, pero nace de una experiencia real. El Cottolengo de Turín es el asilo donde se acoge a enfermos incurables, a seres a menudo incapaces de alimentarse por sí mismos, muchos de ellos nacidos monstruos , como tantos seres de los que hemos hablado hasta ahora, pero no monstruos legendarios, sino monstruos que viven ignorados a nuestro alrededor. El protagonista de la historia acude a este centro como escrutador en la mesa electoral constituida en aquel hospital, porque aquellos monstruos también son ciudadanos y, según la ley, tienen derecho a votar. Trastornado por el espectáculo de aquella subhumanidad, el escrutador se da cuenta de que muchos de los internos no saben lo que tienen que hacer, y votarán lo que les indique la persona que los asiste. Al principio tiene intención de oponerse a lo que a su entender es un fraude, pero finalmente (y en contra de sus convicciones civiles y políticas) concluye que quien tiene el valor de dedicar su vida al cuidado de aquellos desgraciados también ha adquirido el derecho a hablar por ellos. Al final de este libro, después de tantas complacencias en las distintas encarnaciones de la fealdad, quisiéramos concluir con esta llamada a la piedad.

Traducción: María Pons Irazazábal

adn *| cultura. La revista cultural de LA NACION

2008-04-24T17:54:00.000-03:00

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